PopCorn Reborn Summer Festival

POURQUOI REVOIR… LES DENTS DE LA MER AU CINEMA ?

Vous connaissez le Popcorn Reborn Summer Festival ? C’est pas grave, il est encore temps de bien faire. Ça se passe à Arras, sympathique ville des Hauts-de-France dans laquelle réside l’association Popcorn Reborn (forcément). Inquiets et dépités par le décalage de sorties des blockbusters U.S prévus cet été, les cinq soldats de la culture pop qui composent l’asso ont décidé de réagir. A l’absence d’été américain, nous répondons en inventant notre propre été américain. 

Le Popcorn Reborn Summer festival, c’est une programmation de huit films emblématiques de la saison estivale, à raison d’un par semaine étalés sur deux mois. C’est aussi une raison de rappeler à travers des œuvres que l’on connait pourquoi l’expérience salles constitue toujours une occasion de les redécouvrir. Cette semaine, on revient avec le film auquel l’idée même d’été américain doit son existence. Vous l’avez compris: on va parler des Dents de la mer de Steven Spielberg (encore lui! )

Steven Spielberg aime les grosses bêbêtes voraces. Avant même de déloger l’homme du sommet de la chaine alimentaire avec Jurassic Park, le réalisateur s’amusait déjà à contrarier le sentiment de supériorité de l’espèce avec Les dents de la mer. On pourrait croire qu’un carton aussi monumental que celui que connut le film à sa sortie en 1975 ne se fabrique pas en contrariant la zone de confort du grand-public. Mais l’oeuvre que l’histoire a désigné comme la matrice du blockbuster moderne a écrit ses lettres de noblesse sur la psychose que son grand-requin Bruce fit régner sur les stations estivales. C’est que dans le climat anxiogène propre à l’Amérique des années 70, Les Dents de la mer s’est imposé comme l’un des pourvoyeurs d’angoisses les plus puissants de la décennie. Charles Manson et sa secte n’inspirait pas la terreur qui s’emparait des plagistes à la vue de tout ce qui pouvait ressembler à un aileron de requin se découpant dans l’horizon bleu. Désormais, même la mer refusait au public de se laisser aller à son insouciance de saison. Non seulement l’homme n’est pas maître des eaux, mais il est cerné par un territoire hostile qui s’étend à perte de vue. Nous sommes peu de choses, il faut l’accepter. Mais aussi savoir remettre les choses à leurs places. 

Car aussi Spielberg que soit Steven, Les dents de la mer ne serait surement jamais devenu le phénomène que l’on connait sans la grande toile pour étaler sur toute sa largeur l’incitation à la panique générée par le cinéaste. Si le cinéma est une fenêtre sur le monde, Les dents de la mer ouvre une porte vers l’infini : l’étendue du territoire marin s’ouvre sur toute la largeur du cinémascope de grand-écran. L’inconnu est à portée d’oeil, et il amène un invité taquin avec lui.

Ainsi, Bruce se fait rare, mais choisit bien ses moments. Chacune de ses apparitions constitue l’occasion pour le spectateur de se sentir aussi écrasé que le personnage de Roy Scheider par la taille du squale. C’est un bateau ? Non, un prédateur à l’aura quasi-surnaturelle, chassé par ses proies sur son territoire qui n’a ni commencement ni fin. Le souffle de l’aventure n’est jamais aussi fort que lorsque l’homme se livre à une nature qu’il ne maitrise pas. Dans Les dents de la mer, c’est le mistral qui bourdonne aux oreilles du spectateur chaque fois que Quint pousse son bateau (trop petit) à la poursuite du monstre des profondeurs. Il faut le souligner : la postérité a tout donné à la créature, mais Bruce n’est pas le seul personnage du film à sortir en mythe. Le trio de personnages et leurs formidables interprètes ont tout autant leur place que leur adversaire au Valhalla des icônes. Les dents de la mer pose ainsi l’acte de naissance d’un grand paradigme spielbergien: l’humain se transcende à travers sa résilience face à des menaces et dans des espaces disproportionnés par rapport à sa taille. Et ça, le (petit) spectateur assis devant un (grand) écran de cinéma ne se contente pas de le comprendre. Il le ressent.

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PopCorn Reborn Summer Festival

POURQUOI REVOIR… GLADIATOR AU CINEMA ?

Vous connaissez le Popcorn Reborn Summer Festival ? C’est pas grave, il est encore temps de bien faire. Ça se passe à Arras, sympathique ville des Hauts-de-France dans laquelle réside l’association Popcorn Reborn (forcément). Inquiets et dépités par le décalage de sorties des blockbusters U.S prévus cet été, les cinq soldats de la culture pop qui composent l’asso ont décidé de réagir. A l’absence d’été américain, nous répondons en inventant notre propre été américain. 

Le Popcorn Reborn Summer festival, c’est une programmation de huit films emblématiques de la saison estivale, à raison d’un par semaine étalés sur deux mois. C’est aussi une raison de rappeler à travers des œuvres que l’on connait pourquoi l’expérience salles constitue toujours une occasion de les redécouvrir. Après les dinosaures de Jurassic Park la semaine passée, Popcorn Reborn enchaine avec une autre créature du grand-écran reléguée aux oubliettes de l’histoire. Jusqu’à sa résurrection par un réalisateur sinon visionnaire, au moins particulièrement inspiré. 


« Tu aimes les films sur les gladiateurs ? », demandait le commandant Peter Graves au petit Joey dans le cockpit de son avion en déroute. Dans le Hollywood de la fin des années 90, la question est vite répondue : oui, à la télévision pendant les rediffusions de Noël et à raison d’une coupure pub par demi-heure. Autant dire que le tapis rouge n’était pas vraiment déroulé à l’attention de Gladiator pour son entrée dans l’arène des salles obscures. Mais même César ne peut ignorer le verdict du public, et le pouce baissé de l’industrie pendant les mois qui précédèrent la sortie du film se lèva subitement sous les clameurs de la foule.

Faire mentir les pronostics et victoire de l’outsider par KO : l’histoire de Gladiator est celle du projet lui-même, balle perdue qui continue de toucher sa cible en plein cœur 20 après sa sortie. Les films qui se gravent à ce point dans l’inconscient populaire sont ceux qui cherchent avant tout à (bien) raconter une (bonne) histoire. Empereur de la culture pop des 80’s devenu général déclassé par les échecs dans les 90’s, Ridley Scott filme avec l’âme du gladiateur revenu des enfers. Le péplum est un genre qui a écrit ses lettres de noblesse sur grand-écran, Sir Ridley peint la calligraphie de sa résurrection pour le cinéma.

Davantage animé par le sens du devoir de Maximus que par l’hubris de Commode, Scott déploie sa tragédie à hauteur d’homme sur toute la largeur de la toile. Gladiator fait ainsi partie de cette catégorie d’œuvres où les scènes intimistes participent d’une même exigence de (grand)-spectacle que les batailles. Un blockbuster, ce n’est pas seulement des money-shots survendus par une bande-annonce, c’est un état d’esprit. Ici, chaque parcelle de l’image fait souffler à grand vent la puissance de la grande histoire sur la petite, chaque scène devient un instant-prégnant, chaque minute écrit cinéma avec un grand C sur l’écran. Ridley Scott ne fait jamais tomber le rideau qu’il lève lors de l’entrée de ses combattants dans l’arène: jusque dans ses moments les plus anodins, Gladiator se ressent se regarde et s’écoute dans une salle obscure.

Car si la simplicité de Russell Crowe accède à la grandeur, c’est aussi parce que la musique de Hans Zimmer achève de faire résonner l’histoire de Maximus dans le livre d’images du spectateur. Un orchestre symphonique pour le couronnement d’un empereur de la culture pop, ça se (re)vit au cinéma. 

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Boyka: Last Action Hero, Uncategorized

YURI BOYKA: LAST ACTION HERO PART.2

UNDISPUTED III, REDEMPTION : LA PASSION DE YURI

Comme le disait Eddie Murphy dans 48 Heures: « Il y a un nouveau shérif en ville ». Celui-là a un accent russe à faire pleurer une vache espagnole, une dégaine qui dit « fuck you » jusque dans sa coupe de cheveux, des capacités athlétiques qui donnent envie à Jean-Bruno de se décapsuler une bière de dépit depuis son canapé…. Et un genou en marmelade. En effet, le climax d’Undisputed 2 a laissé notre cher Yuri Boyka défait et hurlant au martyr après que son adversaire lui ait fait sauter la rotule à la force de ses biceps. Ce qui n’a pas empêché le personnage de connecter immédiatement avec le public, qui en a fait sa nouvelle égérie . Parfois quand on gagne on perd, et quand on perd on gagne. En l’occurence, Boyka a perdu une guerre mais gagné son title-shot pour un royaume sur lequel il compte bien asseoir son emprise. Tirer Excalibur de son rocher c’est bien, mais il est temps de conquérir son Kaamelot: ce sera Undisputed III-Redemption.

CONQUETE SANS ARMEE

Si l’idée d’une suite à Undisputed 2 centrée sur le personnage s’impose rapidement d’elle-même, les producteurs ne sont pas pour autant disposés à investir sur leur poulain. La radinerie proverbiale de Nu Image ne fait aucune concession au potentiel de son action-hero maison, dans lequel ils perçoivent davantage un tiroir-caisse low-cost qu’un futur champion des stades. Prophète d’un marché de niche en guise de pays, Boyka subit une coupe drastique des fonds pour sa promotion au premier plan (et ce malgré la côté grandissante de Scott Adkins ). Avec un budget quasiment divisé par 3 (on tombe de 8 à 3 millions de dollars!), on atteint un seuil de précarité où l’expression « économie de moyens » devient un euphémisme ingénu. Reconduit aux commandes, Isaac Florentine se voit donc contraint de faire « bigger, better and louder » pour écrire la légende de son personnage, mais avec un budget qui nivelle ses ambitions par le fond. Ça revient un peu à priver de monture un soldat polonais qui part à l’assaut des chars de la Wehrmacht: c’est limite mesquin.

START FROM THE BOTTOM

Mais comme l’a dit Jésus c’est dans le dénuement que s’accomplit la transcendance. Boyka fait voeu de pauvreté forcée, mais le chemin vers la grandeur est un itinéraire frugal. Les choses sont posées dés le début du film. Boyka, le conquérant sanguinaire qui terminait son adversaire inanimé dans la scène d’introduction du précédent, est devenu une loque hirsute affublé d’une patte folle qui lui interdit de remonter sur le ring. La honte est un châtiment que l’on s’inflige et pour cet orthodoxe ultra-pratiquant, l’estime de soit est désormais chevillée au balais à chiottes qu’il trimballe dans les effluves malodorantes de la taule. On pense fort à Jean-Claude Van Damme dans In Hell de Ringo Lam, pour le spectacle de régression masochiste d’un corps d’action qui se punissait dans sa déchéance passive. Si ce n’est qu’ici, le dolorisme Lars Von Trierien ne dure que cinq minutes. Juste le temps de sentir la foudre lui traverser les couilles, d’essayer un peu de kinésithérapie maison et de se refaire une beauté capillaire pour mettre la hagra au lourdaud qui avait pris sa place sous les spotlights. Direction une prison géorgienne dans les valises de l’inénarrable Gaga, qui doit présenter son champion dans un tournoi qui réunit les détenus les plus pugilistiquement qualifiés de la planète.

Vous trouvez ça bis ? Le traitement l’est tout autant. Privé des moyens de faire du pied à la qualité mainstream, Undisputed III ne cherche jamais à présenter un lit au carré. Florentine privilégie ses ambitions à la finition, et arbitre quasi-systématiquement en faveur de l’idée quand celle-ci se retrouve en tension avec la propreté de l’exécution. Fais-le maintenant, réfléchis plus tard: un pur état d’esprit de « man on a mission« , qui continue d’aller de l’avant quelque soit les obstacles (Boyka style).

QUOIQU’IL EN COUTE

Pas les moyens de terminer ses longs et amples mouvements d’appareils « naturellement » (malgré la reconduction- essentielle- de Ross Clarkson à la photo)? Pas grave, les zooms numériques permettent d’assurer la continuité de l’action. La production ne le laisse même pas habiller correctement les cousins de Borat qui squattent le casting figuration ? Pas grave, les gros plans agressifs sur leur faciès de porte-bonheur dynamisent leur présence. Pas le temps à consacrer à des scènes d’actions trop complexes? Pas grave… On va quand même les emballer. Undisputed III s’approprie la rotule bousillée de son héros dans sa conception même et avance en outsider. Faute de ne pas pouvoir ne pas regarder à la dépense, il ne s’arrête pas sur ses handicaps. Ça déborde de plis, ça rigole trop fort, ça postillonne sous le masque… Bref, du vrai cinéma bis au sens premier du terme, qui défie les normes d’hygiène et de sécurité de la production de « série A ». Undisputed III bave un peu, et ne le cache pas.

C’est vraiment un plateau de bagnards…

Pourtant, malgré son déficit de production value, le film ne marque pas le pas face au second volet. D’abord parce que les scènes d’actions réussissent justement à dépasser le précédent en termes de spectacle, en dépit d’une conception que l’on imagine soumise à un timing de guérilla et le genou en carton de son personnage principal. Larnell Stovall remplace JJ « Logo » Perry à la chorégraphie, les combats s’efforcent avec succès de confronter les styles des différents belligérants, et le climax se paye le luxe de s’installer au sommet de la franchise et au Panthéon du genre, tout épisode confondu. Un titre qui ne découle pas seulement des qualités (et c’est peu dire!) de leur exécution, mais des velléités de story-telling construites en amont qui se concrétisent dans son déroulement. Story quoi?!

Et oui, c’est bien le terrain sur lequel ce B trempé dans la confiture prend son envol et consacre son personnage sur le trône qui lui revient de droit à l’issue du dernier plan. Car aussi jouissif soit-il, Undisputed II fonctionnait finalement sur une logique de confrontation binaire, ou les sous-intrigues concernant les personnages constituaient avant tout prétexte à affrontement. C’était tout ce qu’on demandait, et le contrat était rempli jusque dans les petits caractères. Mais ici, Florentine profite de l’arrivée de Boyka en tête d’affiche pour inverser la problématique : c’est lui et son parcours qui vont articuler les scènes d’actions,. Pas l’inverse.

GOLGOTHA, MAILLOT JAUNE

Poussé à l’introspection par son déclassement violent de la chaine alimentaire, Yuri B. doit regagner le statut qui est le sien ou mourir comme il a vécu, non sans remettre en question et dans la douleur ses certitudes au passage. Cette volonté de construire une action qui se révèle organique avec le point de vue du personnage principal s’impose dans un découpage et une écriture soucieux d’évocation et d’éloquence. On songe à ce dialogue par chaines de forçats interposées avec son binôme (qui rappelle- et à dessein- Michael Jai White dans le premier), ou ce passage au mitard qui flirte avec l’introspection théâtrale. Florentine prend la mesure de son personnage principal et refuse de le réduire à l’attraction bad ass pour acrobaties de vidéo-club à laquelle ses producteurs voudraient le réduire.

Autrement dit l’aura de Yuri Boyka ne tient pas dans ses seuls high-kicks, et Florentine s’emploie à le prouver en forgeant subtilement son récit dans son regard. Undisputed III s’impose ainsi quasiment comme un film à la première personne qui ne dit pas son nom, notamment lorsqu’il s’emploie à imprimer à l’écran l’imaginaire religieux dans lequel baigne le personnage. Une démarche qui prend tout son sens dans sa confrontation avec Dolor, némésis pour le moins atypique pour ce genre de production. Belzébuth latin et longiline, sexué jusque dans un timbre de voix suave, Dolor est un bad guy qui fait planer une menace presque androgyne sur le massif et rugueux Boyka. On pense presque à un méchant de japanimation, idée entérinée le cabotinage « outra control » du chilien Marko Zaror (aussi impressionnant qu’Adkins sur le ring).

Ainsi, plus encore que dans ses scènes de combats c’est dans le traitement de son personnage qu’Undisputed III touche quelque chose qui relève de l’essence- même du genre qu’il investit. C’est un secret de polichinelle, mais il n’y a rien de plus fondamentalement judéo-chrétien que le film d’action au cinéma. On n’a rien sans rien, pas de victoire sans douleur, de transcendance sans souffrance et de résurrection sans mort : le genre n’a jamais fait que rejouer le chemin de croix de Jésus à travers ses figures de proues (Clint Eastwood, Sylvester Stallone, Jean-Claude Van Damme). L’action hero se définit par sa capacité à encaisser les coups, même si contrairement au Christ sur sa croix, on attend toujours fébrilement le moment où il va rendre ce qu’il a reçu. Plus grande est la punition, plus libératrice sera la catharsis: les termes fondamentaux du contrat régissant le lien entre le genre et le spectateur n’ont pas changé d’un iota depuis les débuts de la création.

A cet égard, Undisputed III s’impose comme le paroxysme indépassable d’un univers dont il rejoue les enjeux sous-jacents à même son imagerie. On retient ainsi cet instant où Boyka remonte sur le ring, le genou maintenu par une attelle de fortune qui laisse s’échapper du sang (sans que ce soit justifié narrativement) sous le regard entendu de son adversaire. Le film s’émancipe ouvertement de son contexte diégétique pour embrasser sa symbolique à pleine bouche: Uber-Boyka de Nazareth a reçu les stigmates du Messie, et il se garde bien de tendre l’autre joue. Le spectateur se retrouve dans les gradins, à célébrer sa résurrection avec les autres convertis tandis qu’il punit son bourreau, le sang fouetté par ce qu’il convient d’appeler (osons le mot) un grand moment de cinéma. Un peu comme si se déroulait sous nos yeux une correspondance œcuménique entre Bloodsport et La Passion du Christ de Mel Gibson. On exagère un peu mais pour les bourrins congénitaux qui constituent le public-cible du film, on n’est pas loin de l’expérience mystique. 

Quand Ponce-Pilate s’en lave les mains, Jésus le montre du doigt

C’est une certitude, il est préférable de disposer d’une sensibilité spécifique pour mettre les pieds dans le plat Undisputed III: Rédemption dans de bonnes conditions. La poésie christique qui s’échappe des larmes de sang du mâle-alpha en sueur qui triomphe sous les acclamations de la foule n’est accessible de toutes évidences qu’à un parterre réduit d’élus. Mais ceux-là savent que malgré les embûches, Undisputed III a bel et bien offert un royaume à son personnage qui continue de régner sur ses administrés. Dans la douleur et contre tous les pronostiques: c’est ça le destin d’un action hero.

PopCorn Reborn Summer Festival

POURQUOI REVOIR… JURASSIC PARK AU CINEMA ?

Vous ne connaissez pas le Popcorn Reborn Summer Festival ? Ce n’est pas grave, il est encore temps de bien faire. Ça se passe à Arras, sympathique ville des Hauts-de-France dans laquelle réside l’association PopCorn Reborn (forcément). Inquiets et dépités par le décalage de sorties des blockbusters U.S prévues cet été, les cinq soldats de la culture pop qui composent l’asso ont décidé de réagir. A l’absence d’été américain, nous répondons en inventant le nôtre !

Le PopCorn Reborn Summer Festival, c’est une programmation de huit films emblématiques de la saison estivale, à raison d’un par semaine, étalés sur deux mois. C’est aussi une raison de rappeler, à travers des œuvres que l’on connait, pourquoi l’expérience salles constitue toujours une occasion de les redécouvrir. Et quoi de mieux qu’un film qui a contribué à faire découvrir la puissance du grand-écran à nombre d’entre-nous pour démarrer la saison ?

Jurassic Park, puisqu’il s’agit de lui, fait partie des œuvres de son auteur qui vous rappellent pourquoi on ne s’improvise pas Steven Spielberg. Car, sans même rentrer dans les détails de sa conception, le film réalise un fantasme de gosse qui tient à son argument initial : voir des dinosaures à l’écran. Une vision qui ne pouvait se manifester que sur la grandeur d’un écran de cinéma, support sur lequel les bestioles peuvent déplier toute leur longueur pour mettre sur un pied d’égalité spectateur et personnages. Nous sommes riquiquis face à la grande toile comme face à un dino, et la combinaison des deux rappelle à l’humain (à l’écran et en dehors) sa position d’éternel spectateur dans ce cycle de la vie qu’il essaie de bouleverser avec arrogance. John Hammond a « dépensé sans compter », mais réalise son insolvabilité devant l’addition présentée par Dame Nature.Non seulement la taille compte, mais elle définit notre place dans l’évolution. 

C’est ce que Spielberg ne cesse de rappeler alors que ses protagonistes découvrent progressivement la toute petite zone d’influence sur laquelle ils peuvent exercer une emprise. La famille n’est pas un slogan publicitaire chez lui mais la petite histoire qui permet à l’être humain de se tracer un chemin dans la (très) grande. Il n’y a pas plus de héros que de légende dans son cinéma : un homme seul ne saurait changer l’ordre des choses. Dans cette perspective, ramener le spectateur à son âme d’enfant, c’est aussi lui dispenser une leçon d’humilité en creux. Nous sommes peu de choses.

Jurassic Park, c’est l’allégresse d’accepter sa place dans l’univers et de se sentir petits face aux forces qui nous dépassent et nous dépasseront toujours. Devant un film comme dans la vie, nous sommes toujours spectateurs de l’histoire en cours. Et ça, on ne le comprend jamais mieux que face à un grand-écran. Au cinéma !

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blogcinema, Boyka: Last Action Hero

YURI BOYKA: LAST ACTION HERO PART. 1

UNDISPUTED 2, LAST MAN STANDING: UNE ETOILE EST NEE

« Boyka, Boyka, Boyka…. ! ». Tous mordus de la première heure de cinéma d’action le savent : la seule icône digne de ce nom à avoir émergé de la production occidentale du genre dans les années 2000, c’est lui. Yuri Boyka pour vous servir, Tony Jaa des cavernes et golgoth élastique qui s’est pour la première fois introduit par la petite lucarne du DTV pour poncer la concurrence du grand-écran avec ses parties génitales dans Undisputed 2: Last man Standing en 2006. Une suprématie qui ne tient pas seulement aux prouesses martiales de son interprète Scott Adkins, mais aussi à un vrai désir d’élever sa proposition initiale à travers une logique narrative aux antipodes de son époque. Il s’agit donc ici de revenir indépendamment sur les trois épisodes d’existence du personnage au sein de la franchise. Pour démontrer que sous leurs allures de films de bastons jouissifs mais bas du front, les Undisputed ont posé une pierre angulaire dans le jardin mythologique du genre. Moteur? Action!

MAGICS MIKES

A l’aube du nouveau millénaire, le nom de domaine du cinéma d’action n’est plus celui de son public initial. Les fantasmes de puissance, d’affirmation individuelle et de dépassement de soi du chromosome XY ne constituent plus le cœur de cible des producteurs. Ceux-ci ont compris l’intérêt de détourner l’axe de rotation du genre de Mars à Vénus pour féminiser les rangs de leur audience. Jason Statham, Transporter/ kicker de profession et stripteaser par vocation. Brad Pitt, Achille tout en blondeur au vent et huile de bronzage Ushuaia sur le torse dans Troie. Les Dieux du stade de 300 et leurs abdos photoshoppés qui brillent sur la cover de la bataille des Thermophiles… Les nouvelles icônes du genre descendent de leur Olympe comme de la barre de pole-dance sous la pluie diluviennes de billets lancées par les spectateur-trices extatiques. Les modèles des uns sont désormais les objets des autres. Tous, sauf Yuri Boyka justement. 

Est-ce que tu sais danser la Carioca?

Meurtrier multi-récidiviste de son état, ultimate fighter par ambition et bad ass mother fucker par vocation, Yuri Boyka est le champion undisputed de combats clandestins organisés par la mafia russe, qui purge sa peine en bottant des culs dans une taule glauque du pays des tsars. Lorsque George Chambers, ancien champion américain de boxe poids-lourd à la réputation sulfureuse se fait emprisonner suite à un coup monté, l’affrontement entre les deux uber-Alpha devient rapidement inévitable… Pour le plus grand bonheur du mafieux qui a piégé Chambers et celui du spectateur enivré par cette testostérone suintante de taureaux nourris au steak de cheval. 

BORN TO FIGHT

Undisputed 2 était d’autant moins attendu au tournant que cette suite de l’excellent film de Walther Hill avec Wesley Snipes et Ving Rhames était avant tout conçue comme un véhicule pour Michael Jai White. Rescapé de l’arrière-plan des séries B bourrines des années 90 qui n’avait jamais réussi à réellement conclure en lead-role, l’acteur reprend le rôle de Rhames et occupe ici seul le haut de l’affiche. Bad ass jusqu’au lever de sourcil, la carrure trempée dans la même cuve de stéroïdes que son charisme et faisant montre d’une maitrise toute samuel jacksonienne du « motherfucker » en point de ponctuation, White n’est pourtant pas celui que les spectateurs retiennent lorsque le film débarque dans les bacs. C’est son antagoniste Yuri Boyka et son interprète Scott Adkins qui impriment la rétine de l’inconscient populaire.

La coupe de cheveux d’un hooligan des 90’s, des tatouages saillants ornant le pectoral sous tension, le bouc taillé au cutter : Boyka, c’est une dégaine équivoque à une attitude. Le look « Peaky Blinders » avant l’heure, et sa récupération en accessoire de mode par le hipster moyen qui habille sa virilité dans le prêt-à-porter Viking. C’est aussi un état d’esprit : chrétien orthodoxe ultra-pratiquant, ascète rigoriste et intransigeant avec son cadre moral. A tel point qu’il n’hésite pas à tuer l’un de ses hommes de mains pour avoir truqué à son avantage le premier combat contre Chambers. Méchant oui, mais avec une éthique.

BMF (BAD MOTHER FUCKER)

Mais c’est aussi et surtout un tyran des rings, despote du triple high-kick retourné qui ne laisse ni répit ni porte de sortie aux inconscients qui lui tiennent. Yuri Boyka ne se contente pas de gagner : il prend l’âme de ses victimes et ne considère la victoire acquise que dans l’annihilation total de l’être antagoniste. Son but n’est pas de battre l’opposant, mais de lui passer l’envie de revenir dans l’arène. « Écraser ses ennemis, les voir mourir devant soi et entendre les lamentations de leurs femmes » : Boyka le Barbare ne laisse que des râles ensanglantés derrière lui. L’inverse absolu des animateurs et animations de soirées « girls only » qui constituent le nouveau profil Tinder du genre. Boyka, c’est un album de Kaaris (à quand le single éponyme ?!) dans un monde de surveillants de plages.  

Evidemment, pour traduire cette personnalité avenante à l’écran, il faut un interprète pour lui donner corps. En l’occurrence Scott Adkins, briton au charisme borderline qui défie les lois élémentaires de la physique pour démonter ses adversaires. La scène d’ouverture donne le ton, : galvanisé par les applaudissements du public, Boyka enchaine les figures dignes d’une version hardcore du Cirque du soleil pour anéantir son adversaire. Et ce, sans se priver de la finition en ground-and-pound sur son opposant inanimé, totalement gratuite mais « super necessary » comme le vin rouge avec la blanquette.

On n’a pas peur d’affirmer ici qu’Undisputed 2 est le film qui a ramené l’Oncle Sam dans le cercle du film de stomb’. Surtout à une époque où le genre en territoire U.S se réduisait aux numéros de lapdance de Jason Statham dans les Transporters et au close-combat monté et cadré par un alcoolique en plein sevrage des Jason Bourne. Dès sa sortie, le film d’Isaac Florentine tient la dragée haute face aux Ong Bak et surtout SPL de Wilson Yip, les nouveaux tauliers de la prouesse martiales garantie 100% sans câbles ni CGI rapportés (on sort tout juste de la période post-Matrix du film d’action mainstream).

LE CHOC DES TITANS

 La résultat doit évidemment beaucoup à Michael Jai White et Scott Adkins, mais aussi son réalisateur Isaac Florentine. M. Loyal de la maison Nu Image, ici transcendé par son sujet et par sa muse Scott (qu’il avait découvert dans Special Forces et retrouvera cinq fois par la suite), Florentine impose des ambitions visuelles (il faut appeler un chat un chat) quasiment absente de ce genre de production. A travers une mise en scène dont la quête de mouvement imprime les capacités hors-normes de ses personnages à-même l’image, Florentine fait de la caméra le troisième belligérant de l’histoire. On n’est pas là pour regarder les personnages se battre mais pour monter sur le ring avec eux. Le réalisateur monumentalise ses deux bovins à l’aune de leur rivalité, chacune de leur confrontation prenant l’allure d’une collusion de montagnes antagonistes. Une certaine idée du concours de bites élevé au rang d’art à part entière en somme.

On l’a compris, le style est ainsi partie-prenante de l’action. Une démarche qui se retranscrit évidemment dans des scènes de combats, véritable attraction du film et rampe de lancement du petit culte dont son bad Guy et va rapidement bénéficier (le plus souvent cantonné à des mouvements de boxe anglaise, Jai White aura l’occasion de dévoiler toute sa panoplie de talents dans Blood and Bone). Les cadres qui épouse,t les mouvements des pugilistes, les points de montage qui guettent les soubresauts techniques des combattants, la courte-focale qui élargit l’aire de combat à coup de perspectives tranchées … Florentine instaure un cahier des charges immédiatement identifiable et indissociable de sa figure vedette. Tout comme une galerie de personnages secondaires charismatiques, qui rompent avec le schématisme associé au genre, et pour certains reviendront dans les épisodes suivants. On pense évidemment à  Gaga, mafieux joué par le génial Mark Ivanir, véritable crowd-pleaser à lui tout seul qui reviendra mettre sa dégaine débonnaire à contribution dans le numéro 3. Mais ça, c’est pour un prochain numéro. Quand Boyka devient le héros de sa propre histoire.